Paisaje

El paisaje es un tema que se ha utilizado desde hace muchos años y ha evolucionando como tema a lo largo de la historia del arte.
Se tienen registros de paisajes "puros" de China en tinta y sobre algunos sarcófagos en tumbas egipcias. Sin embargo éste género recobra fuerza durante la Edad Media y el Renacimiento dónde se le empieza a usar más y a ver como algo divino haciendo referencia a su creador.
Posteriormente surgieron distintos tipos de paisajes. Existe el paisaje "cósmico" o "sublime" donde se muestra a la naturaleza como salvaje, usualmente son escenas de fenómenos naturales como tormentas. También esta el tipo de una naturaleza "dominada" por el hombre, donde se muestra la naturaleza más sutil y es un lugar reconocible; y por otro lado existe el paisaje con naturaleza colonizada, donde no sólo se le ve a la naturaleza como un elemento amigable, si no que el hombre la aprovecha. Se ven plantaciones con colinas al fondo y escenas de ese tipo. Así como también existe el paisaje urbano donde se muestran las ciudades.

Por como la historia del arte ha manejado el tema del paisaje hay diferentes posturas que podemos ver, sin embargo en casi todas se encuentra el elemento de la naturaleza. Y es interesante cómo poco a poco se empieza a integrar las construcciones del hombre y comienzan a "adueñarse" de la naturaleza hasta tener un paisaje urbano. ¿Sucede eso en la fotografía? o ¿Cómo entendemos el paisaje desde la fotografía?

Tenemos la fotografía de Alexander Keighley, quien mi parecer retrata la naturaleza alejándose del sujeto. Ve algo que le llama la atención y toma la fotografía, sin embargo ya tiene algo de construcciones humanas presentes en su fotografía, pero aún así se ve distante e impersonal. Como si solo fuera un espectador.

 Me hace preguntarme con qué motivo tomaba sus fotografías o cómo las tomaba, parecería como si, en palabras de Sontag, estuviera coleccionando el lugar.
Por otro lado tenemos las fotografías de Bill Brandt, que se me hacen totalmente opuestas a las de Keighley.



Brandt comienza a meter literalmente sujetos en sus fotografías de paisaje, y creo que es una composición muy interesante porque en primer plano esta la mujer desnuda pero logra dirigir nuestra mirada al horizonte del paisaje con las montañas en un costado. Y todo de cierta forma hace perfecta armonía.
Y es algo que comparte de cierta forma con Joel Meyerowitz. Joel también incluye sujetos en sus fotografías de paisaje, pero él cambia totalmente a un paisaje urbano.








Joel Meyerowitz comienza a hacer un paisaje en el que deja de lado por completo la naturaleza y se enfoca en la ciudad. Y creo que es interesante pensar en porqué lo seguimos considerando como paisaje. ¿Es por cómo se aleja la mirada al horizonte? ¿Por cómo se incluye un cielo? Creo que puede ser también por como el hombre se siente en un espacio tan amplio.
















Uno de los fotógrafos que más me gustó fue Ansel Adams. Me gustó mucho por la forma en que maneja la luz en sus fotografías y la postura que tiene en el espacio. A mi punto de vista es deja de ser espectador y te da una entrada más directa al paisaje. Creo que logra transmitir una emoción de sorpresa y avasallamiento que genera ver estas imágenes de naturaleza.

Quizás sea por la perspectiva que usa en sus imágenes, así como el lugar desde el cual las toma que puedes perder tu mirada en el horizonte de sus fotos. Cómo si estuvieras parado junto a él cuando tomó a fotografía. Y es algo que creo que también hace Brandt.

Hoy en día creo que ya no podemos considerar una fotografía de "paisaje puro" pues cada vez más la raza humana se apodera de la naturaleza. Aun que salgamos a carretera seguimos viendo cables o torres de electricidad o algún tipo de construcción del hombre.
Sin embargo creo que es más bien la postura que tomamos en un espacio amplio y la sensación que logremos transmitir lo que va a lograr una buena foto de paisaje. Ya sea urbano o logremos rescatar un paisaje de pura naturaleza. Y lo que más me gusta es que esa foto nos involucre, que no nos quedemos simplemente como espectadores y esa foto se vuelva un simple objeto de colección. Si no que no atrape y nos haga reflexionar sobre lo que estamos observando como si hubiéramos
podido estar ahí nosotros mismos.

El Retrato

Cuando analizamos qué es el retrato y observamos retratos fotográficos es bueno preguntarnos de dónde viene el retrato. ¿Por qué se hacían retratos? ¿Quienes los pedían?
El retrato formalmente comienza en la Baja Edad Media cuando surge una clase burguesa que los pide. Normalmente los retratos eran bajo encargos a menos que el artista sintiera cierto interés o afecto hacia la persona de la cual decidía pintar un retrato.

El retrato pretende mostrar la personalidad, carácter e incluso estado de ánimo de una persona. Usualmente predomina la cara y la expresión. Cuando hablamos de fotografía es una imagen compuesta por una persona en una posición inmóvil.

Varios fotógrafos han tratado éste tema, e incluso; en mi opinión, se han derivado en subcategorías. Como lo es el retrato de moda, como lo hace Cecil Beaton y Richard Aveelon.

Uno de los fotógrafos que más me gustó fue August Sanders. Me gusta como construye diferentes composiciones además del personaje que está retratando. Lo que más me gustó de Sanders es cómo presenta a su sujeto porque parece que nos da la oportunidad de conocerlo un poco, a pesar de que es una persona anónima y no revela su nombre nos dice su oficio. Y en otras fotos su personaje se muestra con mucha naturalidad. Sanders se mete en el espacio y convive con el sujeto, no se siente ajena sus fotografías. Te hace sentir que estás con la persona, o que la viste en la calle. 

Ésta foto de Sanders me gusta mucho justo por la naturalidad que tiene el momento. No se siente posada, sólo esta ahí en el presente capturando a la persona. Y la me gusta mucho cómo el enfoque esta solo en la persona a pesar de que no se encuentra en un ciclorama. 

Sin embargo, otra fotógrafa que empieza con el retrato es Julia Margaret Cameron de quien me llama la atención cómo la mayoría de sus modelos tienen una mirada muy nostálgica. Suelen desviar la mirada de la cámara pero no tanto como en los retratos que hace Nadar. Quizás su mirada se deba al tiempo de exposición que usaba Cameron para obtener los efectos de cierto desenfoque que se vuelven su sello artístico y comienza la corriente del pictorealismo. 

Por otro lado la forma en que retratan Cecil Beaton  y Richard Aveloon se me hace muy distinta a como lo hace Sanders. Principalmente ellos se enfocan hacia retrato de moda por que Cecil Beaton tiene, por ejemplo, un retrato muy emblemático de Audry Hepburn. Mientras que Aveloon tiene un retrato de Janis Joplin. Sus enfoques son distintos. Sin embargo me gusta mucho las composiciones que hace Beaton en otros retratos y la luz que maneja. 

En estas fotos me gusta mucho como los retratos tienen algo más que solo fotografiar a la modelo; y a pesar de estar montadas no se ven rígidas las fotos. Me gusta el elemento de reflejo que tiene una y el alto contraste de la otra. Sale de lo que vemos en fotos de moda. Y siento que si logran transmitir emociones. 

Por otro lado tenemos a Cindy Sherman y Diane Arbus cuyos retratos son más fuertes. Para empezar Arbus por los sujetos que esocge y la forma de tomar el retrato son mucho más crudos y hasta cierto punto agresivos. Y los de Cindy Sherman se vuelven más pictóricos y algo grotescos a mi punto de vista. 

Es interesante ver el contraste entre ésos fotógrafos pues todos tienen expresividad en sus fotos. Mientras Cameron son retratos más tranquilos y contemplativos, Sanders nos mete en la vida del sujeto y los de Sherman y Arbus no grita el sujeto.

Creo que al final un retrato debe también evocar alguna sensación o hacernos cuestionar por qué se escogió ese sujeto para ser retratado. Y todas las preguntas que derivan de ahí.