¿Cómo definir la fotografía? (Fred Ritchin y Susan Sontag)

El libro "Después de la fotografía" de Fred Ritchin es muy interesante pues te muestra puntos de vista mucho más actuales y la forma en que la fotografía ha evolucionado. Ritchin trata bastante el tema de fotografía social y periodística. La validación que tiene la fotografía sobre un evento y cómo puede estructurar posturas sociales.Así como también la compara constantemente con la fotografía análoga por lo que es interesante compararlo con la postura de Susan Sontag en su libro "Sobre fotografía".

En el primer capítulo Ritchin habla sobre cómo la fotografía se está ampliando al digitalizarse y profundiza sobre el término "digital". Menciona que lo digital retoma términos de la naturaleza y la cotidianidad como apple, mouse, desketop, entre otros. Y la forma en la cual al entrar en línea nos convertimos en "usuarios", término también utilizado para drogadictos. Lo que es bastante puntual ya que nos volvemos consumidores de las nuevas tecnologías que el mercado nos lanza. Comenzamos a tener la necesidad de descargar la última actualización de un programa o renovar nuestro equipo constantemente.
Al final de ese capítulo Ritchin nos dice: "Una vez que el mundo es fotografiado, jamás vuelve a ser el mismo. Una vez que las imágenes empiezan a reemplazar al mundo, la fotografía pierde mucha de su razón de existir." Esta frase me dejó pensando en lo que decía Sontag sobre las fotografías siendo una interpretación de la realidad. Pues al ser bombardeados todo el tiempo con imágenes a tal grado que las imágenes se vuelvan nuestra realidad ya no hay mayor interpretación que hacer. Ya no tiene caso querer "adquirir una miniatura de la realidad" pues ya todas la imágenes que tenemos son nuestro mundo.
Ritchin en esa misma página cita a Roland Barthes en 1981 diciendo, "Pensemos en Estados Unidos, un lugar donde todo se transforma en imágenes . Sólo existen se producen y consumen imágenes."
Hoy en día, con todo el contenido que se sube a redes sociales y la facilidad de poseer un smartphone, se vuelve todavía más sencillo lo que dice Barthes. La fotografía ha llegado a tal grado de ser común y abundante que se ha convertido en algo banal. Por lo que en mi opinión, el trabajo del fotógrafo puede volverse más complicado. Pues debe resaltar en ese mar de imágenes y crear un impacto.

En el siguiente capítulo Fred Rithin nos habla más sobre el fotógrafo y como le ha afectado toda la parte de post-producción de una fotografía. Ritchin cuenta como le iban a tomar un retrato y el fotógrafo le informó que la toma iba a ser modificada. "Y por primera vez vi al fotógrafo como un insignificante investigador a sueldo." Lo que es completamente distinto a la percepción que tenía Sontag. Ella describe al fotógrafo como un cazador. "El fotógrafo es una versión armada del paseante solitario que explora, acecha, cruza el infierno solitario.
La descripción de Ritchin me causa cierta tristeza pues el fotógrafo ha perdido, de cierta forma, el poder de expresión y toma de decisión que tenía antes. Él escogía que toma hacer, cómo era revelada en el cuarto oscuro.  Ahora hay editores que les valida un ensayo fotográfico, si es que bien les va, a mi punto de vista. Si no sus imágenes son editadas por personas que ni siquiera vieron al sujeto al que se le estaba retratando.
Por otro lado Ritchin nos cuenta cómo edito fotos de Nueva York creando una imagen más poderosa y al pensar que el reconstruyó esa imagen que sería realidad para otras personas se sintió como un Dios.
Lo que me deja pensando, qué tanta libertad siguen teniendo los fotógrafos, y si eso depende a la rama de la fotografía en la que se desenvuelvan.
Sin embargo creo que de cierta forma concuerdo con la que dice el autor "la fotografía se convierte en la investigación inicial, un boceto de la imagen." Pues en general se le puede sacar más detalle a la toma en post-producción, pero eso no nos exime de sacar una buena fotografía sin necesidad del photoshop.

En el capítulo 6 Ritchin habla más sobre la fotografía como un medio de información y la forma que afecta el texto que acompaña a la imagen al entendimiento que tiene el lector de esta misma.
Sontag menciona en su libro "Sobre la fotografía" lo siguiente: "Hasta que punto la gente necesita saber algo acerca de la fotografía para obtener una buena imagen."
Ritchin menciona que al dejar libre de texto "la ambigüedad de las fotografías puede provocar y motivar al lector a cuestionar sus significados." Le da al lector la curiosidad de buscar significados alternativos.
Después Ritchin menciona otras maneras de crear formas nuevas y dinámicas de crear una comunicación con el lector poniendo como ejemplo la prueba de Turing. O plataformas que al pasar el cursor sobre la imagen revela información nueva pues es desencadenada por le interés particular de cada lector.
Yo creo que al final todo se reduce a la postura que toma el fotógrafo y la intención que tiene con su imagen. O el impacto que quiere generar. Como dice el autor "Los significados potenciales de cada fotografía podían reducirse a uno solo que podríamos llamar pie definitorio, o podríamos mantener las ambigüedades en la presentación para provocar nuevas reflexiones." Aun que me apego un poco a lo que dice Sontag, si una fotografía esta bien realizada va a hablar por si misma, sin necesidad de tener un pie de foto. O quizás la intención sea dejarla a la libre interpretación; pero en ese caso creo que la misma imagen nos hace la invitación de interpretarla.

Ritchin maneja mucho en su libro la función de la fotografía en conflictos sociales como las guerras o campañas políticas. Así como también la función de la fotografía como prueba social para dar fe de que estuvimos en algún lado.
Es muy interesante analizar la foto desde estos ángulos pues realmente nuestro mundo actualmente esta construido en gran parte por imágenes. Y entonces estas imágenes se vuelven parte de nuestra cotidianidad impactando en nuestra forma de ver la vida. Como dice Susan Sontag "Las fotografías no pueden crear una posición moral, pero sí consolidarla y contribuir a la construcción de una."
Me atrevería a decir que hoy en día al estar rodeados entre tantas imágenes sí nos puede crear una posición moral. Y por eso me parece tan delicado la manipulación de imágenes, sobre todo cuando se trata de una fotografía periodística.

Ritchin comienza por algo mucho más cercano a nosotros, que es hablar sobre la fotografía turística; y la forma en la que buscamos esas tomas para dar fe que estuvimos en ese lugar. Sin embargo yo pienso, ¿Es muy necesario demostrarle a las personas que nos fuimos de viaje? ¿Qué nos da esa acción? Creo que al final se vuelve algo de compartir y tener una validación social. Pero también creo que es una forma de regresar con "sentimentalismo" ,en palabras de Sontag, al momento en que tomamos esa foto. Y sin embargo, no le "metemos tanto pensamiento" cuando estamos tomándonos una "selfie" frente al río Sena en París. Se ha vuelto más bien un reflejo, un cierto automatismo para generar imágenes. Pero este mismo automatismo al crear contenido visual nos ha llevado, creo yo, a lo que dice Ritchin de hacer "reality shows" de las guerras o los conflictos sociales.
¿Qué postura debería tomar entonces la fotografía?
Al final pienso que la fotografía ha sido de gran ayuda para consolidar posiciones morales como dice Sontag, pero también para generar cambios en un conflicto y que se tome acción. Pero es delgada la línea en donde comienza a existir una "fatiga de la compasión" y en la que estamos siendo objetivos ante un conflicto. Y por supuesto, llega otro factor a juego que es la censura de los editores.
Cosa que me pareció interesante cuando Ritchin cuenta sobre los distintos proyectos que ha subido en la Red y la forma en que las personas interactúan con las imágenes.

Me gusta la frase que dice Ritchin en su último capitulo sobre la fotografía cuántica, "hemos intentado utilizar a la fotografía para materializar las probabilidades (¿No es esto acaso de lo que se trata el "momento decisivo"?), reafirmándonos así que la realidad es más sólida de lo que nos dicen las teorías. Volvemos a una validación por medio de imágenes. Pero creo que mi frase favorita es con la que cierra Fred Ritchin "La fotografía (o hiperfotografía) podría, como siempre, ser vista como una confirmación. O una exploración. Una pregunta o una respuesta." Por que al final creo que la fotografía depende del mensaje que pretende transmitir. Por lo que el fotógrafo debe tener claro el propósito con el cual está generando imágenes y es ahí donde se genera la diferencia entre un buen fotógrafo y todas las imágenes automatizadas que existen a nuestro al rededor.

Paisaje

El paisaje es un tema que se ha utilizado desde hace muchos años y ha evolucionando como tema a lo largo de la historia del arte.
Se tienen registros de paisajes "puros" de China en tinta y sobre algunos sarcófagos en tumbas egipcias. Sin embargo éste género recobra fuerza durante la Edad Media y el Renacimiento dónde se le empieza a usar más y a ver como algo divino haciendo referencia a su creador.
Posteriormente surgieron distintos tipos de paisajes. Existe el paisaje "cósmico" o "sublime" donde se muestra a la naturaleza como salvaje, usualmente son escenas de fenómenos naturales como tormentas. También esta el tipo de una naturaleza "dominada" por el hombre, donde se muestra la naturaleza más sutil y es un lugar reconocible; y por otro lado existe el paisaje con naturaleza colonizada, donde no sólo se le ve a la naturaleza como un elemento amigable, si no que el hombre la aprovecha. Se ven plantaciones con colinas al fondo y escenas de ese tipo. Así como también existe el paisaje urbano donde se muestran las ciudades.

Por como la historia del arte ha manejado el tema del paisaje hay diferentes posturas que podemos ver, sin embargo en casi todas se encuentra el elemento de la naturaleza. Y es interesante cómo poco a poco se empieza a integrar las construcciones del hombre y comienzan a "adueñarse" de la naturaleza hasta tener un paisaje urbano. ¿Sucede eso en la fotografía? o ¿Cómo entendemos el paisaje desde la fotografía?

Tenemos la fotografía de Alexander Keighley, quien mi parecer retrata la naturaleza alejándose del sujeto. Ve algo que le llama la atención y toma la fotografía, sin embargo ya tiene algo de construcciones humanas presentes en su fotografía, pero aún así se ve distante e impersonal. Como si solo fuera un espectador.

 Me hace preguntarme con qué motivo tomaba sus fotografías o cómo las tomaba, parecería como si, en palabras de Sontag, estuviera coleccionando el lugar.
Por otro lado tenemos las fotografías de Bill Brandt, que se me hacen totalmente opuestas a las de Keighley.



Brandt comienza a meter literalmente sujetos en sus fotografías de paisaje, y creo que es una composición muy interesante porque en primer plano esta la mujer desnuda pero logra dirigir nuestra mirada al horizonte del paisaje con las montañas en un costado. Y todo de cierta forma hace perfecta armonía.
Y es algo que comparte de cierta forma con Joel Meyerowitz. Joel también incluye sujetos en sus fotografías de paisaje, pero él cambia totalmente a un paisaje urbano.








Joel Meyerowitz comienza a hacer un paisaje en el que deja de lado por completo la naturaleza y se enfoca en la ciudad. Y creo que es interesante pensar en porqué lo seguimos considerando como paisaje. ¿Es por cómo se aleja la mirada al horizonte? ¿Por cómo se incluye un cielo? Creo que puede ser también por como el hombre se siente en un espacio tan amplio.
















Uno de los fotógrafos que más me gustó fue Ansel Adams. Me gustó mucho por la forma en que maneja la luz en sus fotografías y la postura que tiene en el espacio. A mi punto de vista es deja de ser espectador y te da una entrada más directa al paisaje. Creo que logra transmitir una emoción de sorpresa y avasallamiento que genera ver estas imágenes de naturaleza.

Quizás sea por la perspectiva que usa en sus imágenes, así como el lugar desde el cual las toma que puedes perder tu mirada en el horizonte de sus fotos. Cómo si estuvieras parado junto a él cuando tomó a fotografía. Y es algo que creo que también hace Brandt.

Hoy en día creo que ya no podemos considerar una fotografía de "paisaje puro" pues cada vez más la raza humana se apodera de la naturaleza. Aun que salgamos a carretera seguimos viendo cables o torres de electricidad o algún tipo de construcción del hombre.
Sin embargo creo que es más bien la postura que tomamos en un espacio amplio y la sensación que logremos transmitir lo que va a lograr una buena foto de paisaje. Ya sea urbano o logremos rescatar un paisaje de pura naturaleza. Y lo que más me gusta es que esa foto nos involucre, que no nos quedemos simplemente como espectadores y esa foto se vuelva un simple objeto de colección. Si no que no atrape y nos haga reflexionar sobre lo que estamos observando como si hubiéramos
podido estar ahí nosotros mismos.

El Retrato

Cuando analizamos qué es el retrato y observamos retratos fotográficos es bueno preguntarnos de dónde viene el retrato. ¿Por qué se hacían retratos? ¿Quienes los pedían?
El retrato formalmente comienza en la Baja Edad Media cuando surge una clase burguesa que los pide. Normalmente los retratos eran bajo encargos a menos que el artista sintiera cierto interés o afecto hacia la persona de la cual decidía pintar un retrato.

El retrato pretende mostrar la personalidad, carácter e incluso estado de ánimo de una persona. Usualmente predomina la cara y la expresión. Cuando hablamos de fotografía es una imagen compuesta por una persona en una posición inmóvil.

Varios fotógrafos han tratado éste tema, e incluso; en mi opinión, se han derivado en subcategorías. Como lo es el retrato de moda, como lo hace Cecil Beaton y Richard Aveelon.

Uno de los fotógrafos que más me gustó fue August Sanders. Me gusta como construye diferentes composiciones además del personaje que está retratando. Lo que más me gustó de Sanders es cómo presenta a su sujeto porque parece que nos da la oportunidad de conocerlo un poco, a pesar de que es una persona anónima y no revela su nombre nos dice su oficio. Y en otras fotos su personaje se muestra con mucha naturalidad. Sanders se mete en el espacio y convive con el sujeto, no se siente ajena sus fotografías. Te hace sentir que estás con la persona, o que la viste en la calle. 

Ésta foto de Sanders me gusta mucho justo por la naturalidad que tiene el momento. No se siente posada, sólo esta ahí en el presente capturando a la persona. Y la me gusta mucho cómo el enfoque esta solo en la persona a pesar de que no se encuentra en un ciclorama. 

Sin embargo, otra fotógrafa que empieza con el retrato es Julia Margaret Cameron de quien me llama la atención cómo la mayoría de sus modelos tienen una mirada muy nostálgica. Suelen desviar la mirada de la cámara pero no tanto como en los retratos que hace Nadar. Quizás su mirada se deba al tiempo de exposición que usaba Cameron para obtener los efectos de cierto desenfoque que se vuelven su sello artístico y comienza la corriente del pictorealismo. 

Por otro lado la forma en que retratan Cecil Beaton  y Richard Aveloon se me hace muy distinta a como lo hace Sanders. Principalmente ellos se enfocan hacia retrato de moda por que Cecil Beaton tiene, por ejemplo, un retrato muy emblemático de Audry Hepburn. Mientras que Aveloon tiene un retrato de Janis Joplin. Sus enfoques son distintos. Sin embargo me gusta mucho las composiciones que hace Beaton en otros retratos y la luz que maneja. 

En estas fotos me gusta mucho como los retratos tienen algo más que solo fotografiar a la modelo; y a pesar de estar montadas no se ven rígidas las fotos. Me gusta el elemento de reflejo que tiene una y el alto contraste de la otra. Sale de lo que vemos en fotos de moda. Y siento que si logran transmitir emociones. 

Por otro lado tenemos a Cindy Sherman y Diane Arbus cuyos retratos son más fuertes. Para empezar Arbus por los sujetos que esocge y la forma de tomar el retrato son mucho más crudos y hasta cierto punto agresivos. Y los de Cindy Sherman se vuelven más pictóricos y algo grotescos a mi punto de vista. 

Es interesante ver el contraste entre ésos fotógrafos pues todos tienen expresividad en sus fotos. Mientras Cameron son retratos más tranquilos y contemplativos, Sanders nos mete en la vida del sujeto y los de Sherman y Arbus no grita el sujeto.

Creo que al final un retrato debe también evocar alguna sensación o hacernos cuestionar por qué se escogió ese sujeto para ser retratado. Y todas las preguntas que derivan de ahí.

Un intento para definir la fotografía (Sobre la fotografía de Susan Sontag)

El libro "Sobre la fotografía" de Susan Sontag me gustó mucho pues abarca varios puntos de vista sobre la fotografía. Podría decirse que es una explosión de conocimiento sobre el tema. Fue muy interesante ya que no había leído antes sobre éste tema y es un gran primer acercamiento. Te da muchas referencias para revisar así como también me dejó reflexionando a lo largo del libro.

En la primera página Sontag hace referencia a la Caverna de Platón mencionando cómo la fotografía cambia totalmente la percepción que tenemos del mundo. Ella lo llama "un nuevo código visual" y, como éste nos enseña "lo que vale la pena mirar". Hacia el final de la página, me encantó su frase explicando, cómo la fotografía nos hace pensar que podemos conocer todo el mundo en la cabeza; "una antología de imágenes." Ésta parte me hizo reflexionar sobre el uso cotidiano que le damos a las fotografías, Todos los días millones de fotos son subidas a redes sociales, desde una selfie, hasta la comida de ese día o un paisaje hermoso. Lo que hace más real el poder conocer todo el mundo con la cabeza. Si queremos ver un lugar en Irlanda sólo tenemos que escribirlo en el buscador de Google. Lo que me lleva a otra frase de Sontag : "Las fotografías son miniaturas de realidad que cualquiera puede hacer o adquirir."

Ésto me remonta a la época de Sontag y de los fotógrafos que menciona. A la época dónde mandar postales era de lo más común. Y justo me lleva  a pensar en una fotografía impresa, cómo eso ya es un objeto que adquirimos. Pero hoy ni si quiera eso, hoy en día las tenemos digitales en nuestros teléfonos. Y no sólo una o dos, Tenemos al alcance miles de fotografías, miles de miniaturas de realidades distintas. Sin embargo no podemos conocerlo totalmente. Podemos saber como se ve la muralla China, pero no sabemos que es estar ahí; a qué huele, que temperatura hay, no podemos tocarla. No podemos tener esa experiencia, pero si podemos hacer una descripción de cómo se ve, cuanto mide, de que material es. Y eso me recuerda a lo que menciona Sontag, "una fotografía es a la vez una pseudopresencia y a la vez un signo de ausencia."

Posteriormente Sontag comienza hablar del surrealismo en la fotografía y del fotógrafo.
Se me hizo muy interesante como ella habla del fotógrafo. "El fotógrafo es una versión armada del paseante solitario que explora, acecha, cruza el infierno urbano." . Me hace pensar en estas fotos que llegamos a ver de zonas urbanas. Las personas, los edificios y es por eso que la frase toma mayor significado para mi cuando comienza a citar a distintos fotógrafos como Berenice Abbott.
Abbott menciona que su propósito era registrar su ciudad antes de que cambiara por completo, por lo que Sontag la compara con Arget en París.
Pero al final creo que es una de las razones por las que tomamos fotografías. Es una generalidad tener resistencia al cambio y por eso buscamos conservar las cosas como son. Congelar ese momento, antes de que cambie, generando incluso cierto sentimentalismo, como lo menciona Sontag, ante las fotografías.
Todos hemos tenido la experiencia de que los abuelos o tíos saquen el álbum familiar o la caja de fotografías para enseñarnos como eran de jóvenes. Como era la casa en donde vivían, la familia o su esposa o esposo de cuando recién se casaron. Añorando ese pasado. La abuela diciendo frases como "Era tan guapo de joven". Validando algo hermoso y recordando ese momento. Lo que me lleva a la siguiente pregunta.

 ¿A qué le tomamos una fotografía? A algo bello. Sontag te deja reflexionando sobre este tema cuando nos menciona que la cámara en se ha tomado como medida de lo bello. Y es verdad.
Usualmente cuando vamos caminando por la calle y vemos algo bonito tenemos el impulso de sacarle una foto. A menos que la intención sea retratar la belleza de algo feo, siempre encontramos algo bello en las fotografías. A menos que la intención sea documentar aspectos sociales, como es la fotografía periodística que genera imágenes tan famosas, como menciona Sontag, como la niña corriendo a lo largo de carretera quemada por el Napalm. O un ejemplo más actual, tenemos las fotografías tomadas en Siria.
Éstas imágenes no son bellas, son crudas, son explícitas. Y cuando veo éste tipo de imágenes me viene a la mente lo que dice Susan al principio del libro, cuando menciona la fotografía de la guerra de Vietnam: "Las fotografías no pueden crear una posición moral, pero sí consolidarla y contribuir a la construcción de una."
Precisamente por éstas imágenes nos hacen reflexionar sobre conflictos sociales para poder tomar una postura. Si los ciudadanos de Estados Unidos no hubiera visto éstas imágenes no hubieran hecho marchas en contra de la guerra de Vietnam. Y tenemos mil ejemplos de cómo este tipo de imágenes ayudan a crear una posición moral y una reflexión. Sin embargo yo me apego a lo que dice Sontag sobre la fotografía siendo una interpretación de la realidad.
Y por eso me parece tan interesante la problemática que se plantea en el libro entre la fotografía y la pintura. La veracidad entre las dos. Sontag dice que si una pintura se falsifica afecta a la historia del arte, pero si falsificamos una fotografía estamos alterando la realidad. Y tenemos varias fotografías "periodísticas" en las redes que son manipuladas, creando realidades falsas. Por lo que me parece importante señalar el uso que tienen las fotografías, cuál es el propósito de tomarlas.

Por otro lado, me encanta lo que señala el libro sobre la visión fotográfica. "La visión fotográfica tiene que ser renovada constantemente con nuevos choques." Es una frase que hace completo sentido, sobre todo cuando la tomamos ya como una bella arte. En la pintura todo el tiempo una vanguardia rompe a la otra, la contradice. Y lo mismo debería suceder con la fotografía, pues así esta todo el tiempo evolucionando y creo que es lo bello del arte en general. Que a lo largo del tiempo podemos ver los cambios que fueron sucediendo en la forma de ver o pensar de los artistas. Como cuando vemos la fotografía que hace Diane Arbus, comparada con la de Edward Weston o Berenice Abbott. Son muy distintas, y buscaban mostrar aspectos diferentes.

En el capítulo de Evangelios Fotográficos, mi frase favorita es por Ansel Adams: "Una gran fotografía tiene que ser una expresión cabal de lo que se siente en el sentido más profundo sobre lo que se está fotografiando, y es por lo tanto, una expresión auténtica de lo que el individuo siente sobre la vida en su totalidad."
Esto lo puedo relacionar respecto a lo mencionado por Thoreau sobre la "visión no divorciada de los otros sentidos". Precisamente porque a mi punto de vista, al estar tomando una fotografía, tenemos que tener todos nuestros sentidos en el momento; en la experiencia que estamos intentando retratar. Por lo que me parece acertado lo que menciona Cartier Bresson, se piensa antes y después de la tomar la fotografía, nunca cuando se esta tomando.

Para mi creo que la fotografía es una interpretación de la realidad y es una expresión de la experiencia que se está retratando.
Al final creo que es complicado sacar una definición un tanto dogmática de la fotografía. Si bien podemos tomar aspectos generales que nos permite entender en general qué es la fotografía, creo que cada fotógrafo tiene su definición propia, incluyendo cuál es su objetivo o propósito al crear imágenes. Y es parte de la diversidad de imágenes que terminamos conociendo, y las distintas formas de interpretar la realidad creo que lo hace aún más grande y maravilloso.

Visitando un taller de gráfica

El viernes la maestra Silvia nos llevo a un taller profesional de gráfica en la colonia Doctores.
Fue muy interesante ir porque el taller era enorme y muy bonito. Tenía tres pisos en lo que combinaba talleres digitales y de impresión digital, con un taller de gráfica tradicional y una sección de carpintería.

El artista nos contó como era el proceso de sus piezas, el hacía lasergrafía. Nos comentaba que diseñaba primero usando programas básicos en una tablet para sacar un patrón como el de los mandalas y posteriormente hacía un diseño con ese patrón en otro programa. Al tener finalizada la imagen la imprimía en una placa de madera con un láser.
Otro material con el que trabajaba mucho era con los filamentos para hacer impresiones 3D. Igual modelaba las piezas en la computadora y luego las imprimían en la impresora 3D que tienen en el taller.

Fue muy interesante ver como este artista mezclaba la tecnología con técnicas tradicionales de gráfica para hacer sus piezas e incluso rozaba un poco en el campo de el diseño.
Incluso nos contaba una de sus ayudantes que cuando se descompuso el baño diseñó una de las piezas que se rompió en el baño, la imprimieron en 3D y repararon el baño.

Me gusto mucho conocer más posibilidades de como poder desarrollar un proyecto que integre diferentes áreas como son los métodos tradicionales y la tecnología.

Dejó en la parte posterior algunas fotos que pude tomar en el taller.

¿Qué considero que es una buena fotografía?

Como otros tipos de arte, creo que la pieza debe expresar algo. Hacernos reflexionar, cautivarnos, pero que no cause indiferencia. Que no se quede en un simple y vacío: "se ve bonito".

Creo que una fotografía es buena cuando logramos la combinación perfecta de contraste, composición y espontaneidad. Pero que tienen una fuerza que no quieres dejar de verlas. Y por alguna razón que no logro comprender te atrapan,; ya sea por cómo la luz cae sobre el objeto, o el contraste que hay entre las luces y sombras profundas.

Me gustó mucho lo que dice Cartier Bresson en su texto de "El momento decisivo" sobre como hay que capturar ese momento donde todo se alinea perfectamente. Y creo que de eso se trata la fotografía. Saber perseguir esos breves momentos para atraparlos.
Ese mismo texto de Bresson me recordó a una película que se llama The Bang Bang Club. Trata de un grupo de fotógrafos que hacen tomas para periódicos. Y van a África, donde hay muchos conflictos civiles y uno de los fotógrafos queda en medio de una revuelta donde prenden vivo a un hombre. El fotógrafo sigue el acontecimiento y por esa foto le dan el Pulitzer. Pero en general la película habla de atrapar esos momentos.

Aún desconozco que hace una composición, una buena composición;  o que elementos formales o técnicos hacen una buena foto. Pero me gusta pensar que una buena fotografía no es tener todos los elementos formales correctos, si no que hay algo más.

Equipo, experiencia y expectativas

Yo cuento con una cámara digital Nikon. Es una Coolpix L320, con resolución de 16 megapixels y un lente que hace 26 x optical zoom. También cuento con un tripié y una laptop Vaio. Sé utilizar el programa de  Corel Draw, Pixlr que es un editor en línea; al igual que PicMonkey.

Por otro lado tomé dos años clase de fotografía como taller opcional en mi preparatoria, pero tiene tiempo que no practico y mis clases no fueron tan extensivas.

Tengo muchas ganas de aprender como tomar buenas fotografías, aprender como puedo expresarme con la fotografía y como puedo hacer uso de esta herramienta para hacer obra.
Así como también aprender a apreciar mejor éste arte.

Siempre me ha gustado mucho la fotografía y es algo en lo que me gustaría profundizar ya que me encantaría poder desarrollarlo como producción artística.
Por otro lado, también me gusta mucho aprender de la teoría y la historia de la materia. Se me hace muy interesante y es algo con lo que no estoy muy familiarizada, especialmente la historia de la fotografía.